imaginaires

Fidelio, l'odyssée d'Alice

Bruno — 2015-01-12T20:40:41Z

Passé sous les écrans radar de la critique à sa sortie, ce Fidelio-là est un petit bijou cinématographique. Filmé en mer et en Scope, c'est aussi la révélation d'une actrice extraordinaire, Ariane Labed.

D'abord, il y a le clin d'œil à Titanic. La salle des machines qui grince, qui souffle et qui mugit, la mer qui défile à toute vitesse le long de la coque, la proue sur laquelle se perche une jeune femme les bras en croix, et un homme qui lui demande : « tu te prends pour Kate Winslet ? » Elle lui répond, du tac au tac : « plutôt pour DiCaprio ». Fidelio n'est pas Titanic, c'est juste un navire marchand comme il y en a des dizaines de milliers qui sillonnent les océans.

Fidelio est vieux, il lâche un peu de partout et il est promis à la casse. Son équipage est en bleu de travail et maculé de cambouis, il y a des Philippins qui jettent un sort aux machines et un Roumain qui pense à sa petite amie. Et il y a Alice. Alice, c'est la seule femme à bord, et ce n'est pas une prostituée sénégalaise invitée un soir d'escale. C'est un marin, second maître, et bien décidée à se faire respecter.

Fidelio, c'est aussi un film, dont le budget doit représenter une demi-journée du cachet de Leonardo DiCaprio. Aux manettes, Lucie Borleteau, jeune réalisatrice venue du court métrage et qui, pour son premier long, choisit un format d'image ambitieux, un cinémascope parfaitement adapté aux panoramiques maritimes mais aussi aux nombreuses scènes de huis clos dans le navire. Sa mise en scène est remarquable de fluidité et de précision, à la fois ondoyante et nerveuse comme son héroïne.

Il faut dire un mot d'Ariane Labed. Il est rare de voir une actrice inconnue crever l'écran à ce point. De mémoire, on citera Paz Vega (Lucia y el sexo) ou plus récemment Adèle Exarchopoulos (La vie d'Adèle). L'interprète d'Alice est désarmante de spontanéité, de fraîcheur, d'appétit de vivre, à tel point qu'elle cannibalise les deux rôles masculins qui lui font face, son petit ami norvégien et le capitaine du Fidelio avec qui elle a eu une liaison jadis. Ce dernier, joué par Melvil Poupaud, qui n'est pourtant pas le premier venu, est dévoré tout cru par Alice/Ariane qui lui fait comprendre que les temps ont changé, y compris pour les mâles dominants.

Enfin, ce Fidelio est une métaphore flottante que ne renierait pas Ken Loach. Plus qu'une histoire d'amour sur le thème une femme et deux hommes, c'est un film remarquablement écrit sur notre époque dont les marins sont les nouveaux prolétaires. Equipages hétéroclites, navires au bout du rouleau, marchandises achetées et revendues plusieurs fois pendant le trajet et modifiant sans cesse la destination, corps jetés à la mer pour éviter les procédures administratives : Fidelio donne à voir la salle des machines de la globalisation. Et tous ceux qui y consacrent leur vie avec leur grandeur, leur misère, leur solitude et leurs croyances. Un petit fragment d'humanité.

Interstellar

Bruno — 2014-11-15T21:43:55Z

Un an après le sublime Gravity, Christopher Nolan relève le défi du space opera pour adultes, à savoir avec une action réduite au minimum et une dimension philosophique assumée. Et prend le risque de se frotter au fantôme de Kubrick.

Et si, finalement, la vision la plus marquante de cet Interstellar était cette monstrueuse tempête de poussière qui engloutit périodiquement un village, ses habitants et ses pauvres champs de maïs desséché ? Il n'est pas question de trou de ver ou de trou noir dans ces séquences d'un monde au bord de l'extinction, mais c'est pourtant bien ce qui nous attend à très court terme, l'espace d'une ou deux générations, trois au maximum.

Cette longue partie introductive, Nolan la traite à la manière de Spielberg (qui devait d'ailleurs réaliser le film initialement), collé à ses personnages et à leur environnement d'Amérique profonde. Mais justement, ce n'est pas Spielberg, et Cooper, le fermier interprété par Matthew Mc Conaughey est en fait un pilote de chasse cloué au sol suite à un accident d'avion. Et sa fille est un enfant surdoué qui affirme être visitée par des fantômes...

La Terre est condamnée à court terme et pour survivre, l'espèce humaine n'a plus le choix : il ne lui reste plus qu'à coloniser un hypothétique nouveau monde. Cooper sera chargé de conduire un vaisseau exploratoire pour ce qui s'apparente à un voyage sans retour. Car les distances à franchir sont telles qu'elles vont bousculer les frontières temporelles d'une vie humaine. C'est le prix — immense et terrifiant — à payer pour qui veut franchir un trou de ver (un raccourci dans l'espace) et s'approcher d'un trou noir monstrueux et sublime.

Le défi de Christopher Nolan, il est donc là : mettre en images des abstractions qui défient les lois de la physiqu. Et montrer ce que l'on ressent sans jamais le voir : le temps qui chasse chaque génération pour laisser la place à la suivante. Sauf bien sûr que dans l'espace, ça ne se passe pas comme ça, Einstein l'a démontré il y a longtemps. Et quand une heure sur une planète lointaine vaut sept ans sur Terre, la reprise de contact de Cooper et de sa fille est potentiellement ravageuse.

C'est une des plus poignantes scènes du film, qui comme celles du début, ne nécessite aucun effet spécial. Juste deux enfants qui parlent à leur père par écran interposé, un père qui ne peut répondre mais qui prend en pleine tête les années perdues. Il n'est déjà pas facile de voir sa progéniture grandir au fil des saisons, alors imaginez un peu...

Interstellar est aussi impressionnant en ce sens qu'il restitue physiquement (par le surround) la pression exercée par les forces de la nature sur les fragiles constructions humaines : vent déchaîné, vagues monstrueuses, dérèglement total des instruments de bord des vaisseaux spatiaux, rien ne sera épargné à Cooper et ses compagnons. Tout juste pourra-t-on regretter que rien ne soit dit sur les raisons qui ont entraîné un tel désastre.

Visuellement, le film de Nolan rappelle évidemment, dans sa dernière demi-heure, le 2001 de Kubrick, mais il est moins réussi que Gravity dans le dépouillement extrême et rend moins la sensation d'isolement et d'éloignement. Disons que si Gravity excelle dans la représentation de la dimension spatiale (les distances, les repères chamboulés), Interstellar se distingue dans la description du temps, avec une scène tout à fait perturbante (et plutôt réussie) dans la dernière partie. Rien que pour ça, il vaut le détour.

Whiplash

Bruno — 2014-10-25T22:02:10Z

Remarqué à la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes, primé à Deauville, le film de Damien Chazelle est un énorme coup de cymbale dans le ciel cinématographique de 2014. Présenté en avant-première à Gardanne, il sortira le 24 décembre. Ne le manquez pas !

On ne peut pas s'empêcher, en voyant ce Whiplash (littéralement : coup de fouet), de penser à un film sado-maso, et à deux références dans le genre : Raging Bull de Martin Scorsese, pour les plans serrés sur l'épuisement et la douleur, et Full Metal Jacket de Stanley Kubrick pour les séances d'humiliation-dressage. Pourtant, il n'est ici question ni de boxe, ni de préparation à la guerre du Vietnam, mais seulement de jazz.

Le film de Damien Chazelle, c'est une sorte de western où l'on se bat à coups de baguettes, où l'on défonce les caisses à coup de poing et où on se lance les cymbales à la figure. Le montage rageur et bondissant ne laisse aucun répit, et le schéma classique de l'initiation d'un jeune surdoué par un prof tyrannique vole ici en éclats. Car Andrex, 19 ans et une ambition dévorante, va tout d'abord encaisser, puis il va rendre les coups un à un. A tel point que le prof, interprété par un JK Simmons en grande forme, va voir se retourner contre lui toutes les crasseries possibles et imaginables qu'il inflige à ses élèves. Jusqu'à une scène finale aussi inattendue que suffocante.

A l'origine, Whiplash n'était qu'un court métrage présenté en 2013 à Sundance. Devant l'accueil public, Damien Chazelle le transforme en un long, tourné en une vingtaine de jours seulement. Le résultat garde cette urgence, cette vitesse sans jamais abuser de plans démultipliés comme en abusent les films d'action. Le film joue en permanence de la douche écossaise avec un Terrence Fletcher (le professeur) capable de tirer les larmes à ses élèves et l'instant d'après de les humilier sans raison. Même chose avec les nombreuses scènes de répétition hachées par des interruptions, signifiées par un poing fermé, qui évoquent évidemment ces réalisateurs capables de faire rejouer des dizaines de fois la même scène afin de pousser à bout les acteurs.

La tension permanente, la déstabilisation comme méthode pédagogique ont bien sûr des effets collatéraux sur la vie des élèves : les rares scènes hors cadre musical montrent comment Andrew reproduit autour de lui (avec ses parents et sa petite amie) cette obsession maladive pour l'excellence à tout prix. Mais les dégâts provoqués ne font qu'alimenter sa rage comme des pelletées de charbon jetés dans une chaudière sous pression qui risque à tout moment d'exploser. Mention au passage au travail du jeune Miles Teller dont la performance physique (et technique, car il joue lui-même de la batterie) est impressionnante.

La Planète des singes : l'affrontement

Bruno — 2014-08-01T16:49:37Z

Trois ans après Les origines, nous voici donc de retour sur la Planète des singes avec cette fois Matt Reeves aux manettes et des acteurs enfin à la hauteur pour les personnages humains. Andy Serkis reste quant à lui exceptionnel.

Après la grosse déception de la version Tim Burton de 2001, complètement désincarnée et manquant cruellement de poésie, le reboot de 2011 intitulé Les origines avait été une bonne surprise. Même si, pour faire la fine bouche, la performance des acteurs principaux côté humains n'était absolument pas à la hauteur. Côté scénario en revanche, il y avait de l'idée, et les effets spéciaux étaient irréprochables.

Trois ans après (dix ans dans l'histoire), César et sa troupe de primates (chimpanzés, gorilles, orang-outans) sont toujours là et chassent le cerf dans la forêt qui a désormais tout l'air d'une jungle. Côté humains, en revanche, ça ne va pas fort. Suite à la grippe simienne répandue accidentellement à la fin du film précédent, l'espèce dominante ne domine plus rien du tout et se retranche misérablement dans ce qui reste de ses villes, à moitié en ruines et gagnées par la végétation.

Comme le titre l'indique, il va donc être question d'un affrontement. Mais, bien plus finement que le scénario d'Avatar, pour ne citer que celui-là, ce n'est pas d'un côté les affreux humains civilisés contre de l'autre les bons sauvages proches de la nature. Dans la vraie vie, les choses sont un peu plus compliquées que ça, n'en déplaise aux scénaristes qui pondent du blockbuster apocalyptique au kilomètre. Et dans L'affrontement, nous avons donc dans chaque communauté des faucons et des colombes, des partisans de la conquêtes et ceux qui privilégient la coopération. Toute ressemblance avec une situation internationale méditerranéenne actuelle n'est pas fortuite.

Mais la richesse de cette suite, c'est avant tout dans une mise en scène inventive (celle de Matt Reeves) et dans des décors splendides qu'on la découvre. La forêt, dégoulinante de pluie, sombre et hostile avec ses troncs coupés nets et ses pentes boueuses, est particulièrement angoissante, alors que les habitations des singes, toutes en courbes et en volutes, donnent une impression de légèreté et de robustesse. Comme le dit l'un des humains survivants, « ils n'ont besoin ni de courant, ni de chaleur, ni de lumière. Rien. C'est ça leur avantage. C'est ce qui les rend plus forts. »

Les hommes, eux, se terrent et s'arment. Ils ont peur, et cette peur les rend agressifs et dangereux. Avec certains d'entre eux, c'est on tire d'abord et on discute ensuite (comme au bon vieux temps de la conquête de l'ouest). Autant dire que la coexistence ne sera pas pacifique. Et que ce qui reste du centre-ville de San Francisco — superbement reconstitué, même si on ne peut s'empêcher, encore une fois, de repenser à l'Armée des douze singes de Terry Gilliam — va très vite se transformer en Fort Alamo.

Le film d'origine de Franklin J Schaffner, qui date, on le rappelle, de 1968, ne perd rien de sa force poétique et du choc que représenta la vision de chimpanzés chevauchant des pur-sang et regroupant au fouet des esclaves humains. Mais l'utilisation intelligente et raisonnée des effets numériques et de la performance capture apporte de toute évidence une avancée considérable dans les techniques de mise en scène. Le tout est que ce soit au service d'une histoire, pas que cette dernière ne soit que le prétexte. Il est rare d'attendre une suite avec impatience. Ici, c'est pourtant le cas.

Minuscule, la vallée des fourmis perdues

Bruno — 2014-02-05T13:42:34Z

Epopée brillante à hauteur d'insectes, Minuscule prouve qu'il est possible de faire du cinéma d'animation intelligent et respectueux du jeune public. On en redemande.

Qu'est-ce qui peut bien faire exploser de rire une salle de cinéma remplie de bambins ? Réponse : une bête boîte à sucre en fer blanc dégringolant d'un rocher. Hélène Giraud (la fille de Moebius) et Thomas Szabo ont donc repris les recettes de la série télé Minuscule et l'ont adaptée pour le grand écran, et le moins qu'on puisse dire, c'est que ça marche. Et que ça change de l'animation industrielle à la Disney ou de celle, un cran au-dessus, de Pixar. Ici, pas de voix de comiques de la télé, pas de dialogues super cool tendance et pas d'anthropomorphisme à deux balles.

Le décor : les prises de vues réelles des parcs du Mercantour et des Ecrins. Les personnages : des insectes relativement réalistes (fourmis, araignée, mouches, coccinelle) ajoutés en images numériques. Le parti pris, essentiel : aucun dialogue, les animaux s'expriment uniquement par des bruits et des attitudes. L'histoire : pour faire simple, on dira que c'est une quête du Graal sous la forme d'une boîte à sucre oubliée par des pique-niqueurs.

Il faut rendre hommage à la qualité de la mise en scène et du montage, dignes d'un film d'aventures qui n'exclut pas les scènes contemplatives, où le tout petit s'harmonise avec l'immensité et la splendeur des paysages. Le changement d'échelle est particulièrement bien vu : une allumette a la taille d'une poutre, un morceau de sucre ressemble à un parpaing, une Deux-Chevaux à un monstre mécanique et une bombe insecticide à une arme de destruction massive.

Les citations de films célèbres abondent sans alourdir le propos : on reconnaît ainsi la maison de Psychose, la forteresse du Seigneur des Anneaux, la poursuite spatiale de Star Wars… Le tout, à un rythme raisonnable qui change de la frénésie de plans de plus en plus courts qui contamine le cinéma contemporain.

Il n'y a pas d'âge pour découvrir Minuscule. Les enfants adorent, et ils ont bien raison, mais les adultes y prennent aussi beaucoup de plaisir. Et la prochaine fois que vous pique-niquerez dans l'herbe, vous regarderez les fourmis et les coccinelles d'un autre œil !

Snowpiercer, le transperceneige

Bruno — 2014-01-24T21:04:25Z

Adaptation coréenne brillante d'une BD française culte, Snowpiercer file la métaphore de l'humanité en détresse avec un train immense qui fonce dans un désert de glace. Une splendeur visuelle.

C'est une évidence : de tous les moyens de transport, le train est celui que le cinéma préfère, et pas seulement parce qu'il lui a consacré le premier film de son histoire. Les rails ont été recyclés pour faire des travellings, les fenêtres montrent le paysage qui défile comme sur une pellicule, l'extérieur est un spectacle et les passagers sont le public, chaque wagon est un monde en soi...

De plus, le train est un redoutable véhicule de l'inconscient collectif. Jouet de rêve quand il est miniature, c'est aussi un instrument de conquête dans les grands espaces de l'Ouest américain (quand il s'agissait de décimer les bisons par exemple) ou dans les immenses plaines russes (on se souvient du train blindé de Trotsky pendant la guerre civile qui a suivi la Révolution russe). Sans oublier, bien entendu, les wagons à bestiaux qui emmenaient les déportés vers la mort.

Avant de parler du film, il faut rendre hommage à Jean-Marc Rochette, Benjamin Legrand et Jacques Lob, qui ont imaginé cette histoire incroyable dans les toutes dernières années de la guerre froide, en 1984. Sur une Terre congelée, une poignée d'humains survivent dans un train immense condamné à rouler sans fin. Un train composé de castes, les gueux entassés tout au bout et les fortunés à l'avant. Splendide métaphore d'une humanité lancée dans une course folle qui, forcément, finira mal...

Bong Joon Ho s'est appuyé sur ce scénario impeccable en le modernisant à la marge, la guerre nucléaire initiale étant remplacée par une tentative malheureuse de lutte contre le réchauffement climatique. Pour le reste, il s'agit bien d'un combat à mort entre une bande d'insurgés n'ayant plus rien à perdre et tout le système de défense du train, dont la sophistication n'exclut pas la plus grande sauvagerie. L'histoire se déroule donc de l'arrière vers l'avant : quand la locomotive (ici, la Machine) sera atteinte, la fin du film sera proche.

Visuellement, Snowpiercer a beaucoup à voir avec l'univers de Terry Gilliam (un des personnages porte ce nom d'ailleurs). Le contraste est violent entre la crasse misérable des wagons de queue et le luxe grotesque (bar à sushi, sauna, serre tropicale, aquarium géant, salons de coiffure) de l'avant. Le culte du chef, la folie douce de ses subordonnés et la noirceur féroce de l'ensemble rappellent évidemment Brazil, même si on peut regretter quelques scènes inutilement gore, avec gerbes de sang filmées au ralenti.

Snowpiercer est donc un très bon film à qui il ne manque pas grand chose pour devenir un très grand film. Il met superbement en évidence une vérité toute simple que les puissants de ce monde feraient bien de ne pas perdre de vue : même s'ils sont du bon côté du manche, ils vivent dans le même monde que ceux qu'ils exploitent, et un jour ou l'autre, ils devront bien rendre des comptes.

Quai d'Orsay

Bruno — 2013-11-04T12:00:00Z

En adaptant la BD de Blain et Lanzac, Bertrand Tavernier a globalement réussi à garder le rythme initial. Il lui manque pourtant la démesure et le vent de folie de l'original.

Thierry Lhermitte a-t-il la stature pour incarner à l'écran Dominique de Villepin ? Ou mieux encore, son double de papier, Alexandre Taillard de Vorms, sorte de géant fulminant, au verbe haut et au rythme infernal, insupportable d'égocentrisme et tyrannique avec le petit personnel ? Eh bien non. Thierry Lhermitte est sympa, drôle, attachant, tout ce qu'on veut, mais il n'est pas crédible en politique mythomane obsédé par des discours sans queue ni tête et des citations d'Héraclite parfaitement obscures. Que de tout ceci soit sorti un discours entré dans l'histoire, celui du 14 février 2003 au Conseil de sécurité des Nations unies [1], tient un peu du miracle. Ou du talent des petites mains du Quai d'Orsay.

Là où la BD de Christophe Blain et Abel Lanzac frappe fort et juste, en grossissant le trait, en changeant constamment d'échelle entre un Arthur Vlaminck plein de bonne volonté mais qui se sent écrasé et déplacé sous les dorures de la République et un Taillard de Vorms immense de mégalomanie et de décisions à l'emporte-pièce, le film de Tavernier humanise l'ensemble, le rend finalement sympathique.

Dans la BD, par exemple, la vie de couple du jeune Arthur est complètement dévorée par la disponibilité totale qu'exige le ministre. Une bonne partie de l'histoire raconte les multiples rendez-vous manqués, les horaires impossibles et les vacances gâchées qui menacent les tourteraux. Le film ajoute une anecdotique vie d'instit qui n'apporte pas grand chose dans un tableau beaucoup plus serein.

Le film rend en revanche hommage à l'abnégation de Claude Maupas, diplomate aux cheveux blancs, à la voix toujours posée et qui ne se laisse jamais impressionner par les tonitruances et les envolées lyriques du ministre. Il est interprété brillamment, et à contre-emploi, par Niels Arestrup, plus habitué à des rôles hystériques. Là, il est celui qui gère les crises, recadre tout le monde et trouve le temps de caresser un chat gris laissé par un prédécesseur.

Mention aussi à Raphaël Personnaz (le Marius de Daniel Auteuil), très bon dans un rôle de comédie et qui donne chair au jeune Arthur Vlaminck. Et à l'apparition de Jane Birkin, délicieuse en Prix Nobel de littérature submergée par le discours incessant et anarchique de Taillard de Vorms.

[1] Contre l'intervention américaine en Irak, discours lisible ici

Les jours heureux

Bruno — 2013-10-30T21:25:52Z

Raymond Aubrac, Stéphane Hessel, Daniel Cordier et quelques autres nous font revivre l'histoire du Conseil national de la Résistance dans un documentaire en forme de testament, tonique et joyeux.

Gilles Perret est sans pitié. Le réalisateur de Walter, retour en résistance ou De mémoire d'ouvriers a eu l'idée, un peu perverse avouons-le, de nous offrir en dessert de ses Jours heureux quelques interviewes des politiques actuels. Après les sommets de courage, d'héroïsme, d'inventivité et d'audace dont ont fait preuve Léon Landini, Raymond Aubrac, Stéphane Hessel, Daniel Cordier ou Robert Chambeiron, nous voilà descendus des épaules des géants pour admirer les nains qui nous gouvernent ou prétendent le faire : François Bayrou et Jean-François Copé sont pitoyables.

Si Jean-Luc Mélenchon s'en tire plutôt bien, François Hollande est presque grandiose dans le n'importe quoi. Il affirme benoîtement que « quand on est faible, on a une voix faible ». Et quand Gilles Perret lui demande ce qu'il peut faire, lui président, contre la finance folle et l'ultralibéralisme à tout crin, il répond dans un sourire ravi : « je suis au pouvoir pour pouvoir ». L'ironie de l'histoire est que cet entretien élyséen ait été enregistré le jour-même de la mort de Stéphane Hessel.

Mais avant tout ça, il y a eu près d'une heure vingt d'histoire chaude, celle racontée par ses protagonistes. Il y avait urgence à enregistrer leur témoignage, puisqu'on l'a vu, Stéphane Hessel est mort en février 2013 (à 95 ans) et Raymond Aubrac nous a quittés en avril 2012 (à 97 ans). Quant à Daniel Cordier, secrétaire de Jean Moulin, il a actuellement 93 ans, et Robert Chambeiron a fêté ses 98 ans. Pour avoir eu la chance de rencontrer Raymond Aubrac en 2008, je peux affirmer que ces hommes-là dégagent un charisme et une force de conviction extraordinaires.

On le retrouve d'ailleurs dans le film, notamment dans la première partie, calquée sur celle du programme du CNR qui définit la condition de la lutte armée sous l'Occupation. Léon Landini, le plus jeune de la bande (87 ans quand même) revient dans la prison de Montluc à Lyon où, se souvient-il, les prisonniers se mirent à chanter la Marseillaise puis l'Internationale en août 1944 pendant que les combats faisaient rage dans les rues.

Le film retrace la génèse du CNR, depuis les premières approches de Jean Moulin dès 1940 jusqu'à la fameuse réunion clandestine du 27 mai 1943, rue du Four à Paris. Quelques jours plus tard, Moulin était arrêté à Caluire, mais le CNR lui survivrait. Articulé autour de deux volets, l'action immédiate et les réformes profondes à la Libération, le programme du CNR, titré Les jours heureux, a réussi le miracle de fédérer partis, syndicats et mouvements de Résistance autour d'un projet commun.

Ce projet, rappelons-le, est le socle de l'Etat social que nous connaissons, et que politiques de droite comme de gauche s'emploient à démolir depuis trente ans : sécurité sociale, régimes de retraite, nationalisations de l'énergie et des banques, liberté de la presse... Un programme révolutionnaire conçu sous la terreur nazie et appliqué dans un pays en ruines où tout était à construire.

« La chance, rappelle l'historien Laurent Douzou, c'est qu'il n'y avait pas de consitution entre 1944 et 1946, c'était une situation parfaite pour appliquer le programme du CNR ». Une fois la quatrième république installée dans ses meubles, les divisions allaient reprendre et la gauche se diviser.

Robert Chambeiron a d'ailleurs des mots féroces contre les gaullistes ou prétendus tels d'aujourd'hui : « je leur dit de prendre le temps de lire les mémoires du général. Ils apprendraient des choses, tiens. Mais bien sûr ils ne les ont pas lues. » Quant à la gauche, elle y a droit elle aussi : « Pendant l'occupation et à la Libération, le centre de gravité politique en France s'est déplacé très à gauche. Dans le CNR, même les représentants des partis de droite étaient plus à gauche que la gauche actuelle. » Sans même parler du président de la République, évidemment.

Shokuzai

Bruno — 2013-10-27T09:23:37Z

Adaptation grand écran d'une mini-série japonaise, Shokuzai part d'un fait divers traumatique et explore ses conséquences quinze ans plus tard sur cinq femmes, les quatre amies de la victime et la mère de celle-ci. Labyrinthique et passionnant.

Féministe comme le Miyazaki de Princesse Mononoke et explorateur des méandres de l'âme comme le Kieslowski du Décalogue : le dernier film de Kyoshi Kurozawa fait aussi penser à Dolores Claiborne, le roman de Stephen King où, derrière une mort suspecte et un interrogatoire, surgissait petit à petit un souvenir d'enfance traumatique.

Comment survivre au choc de perdre une petite fille assassinée ? Comment tenir le coup quand on a le même âge qu'elle, qu'on a vu son assassin et que ce souvenir nous hante encore, quinze ans plus tard ? Tel un miroir fissuré en plein milieu, ce traumatisme initial va transformer l'avenir des quatre copines de la petite Emili.

Aucune d'elles n'a pu ou voulu décrire l'assassin à la police. Chacune, à sa façon, va porter son fardeau sous la forme d'une relation mutilée au monde et au corps. Quant à Asako, la mère, elle devra vivre rongée par le besoin de vengeance et la nécessité de traquer les quatre fillettes devenues femmes pour leur soutirer un témoignage décisif, et dans lesquelles elle ne peut s'empêcher de voir ce qu'aurait pu devenir sa fille disparue.

Le contraste est violent entre Asako, en femme brisée ne laissant rien transparaître et dont le cœur semble s'être transformé en pierre, et les quatre femmes qui tentent de mener une vie d'adulte mais qui ne peuvent s'empêcher de voir en chaque homme une menace potentielle. Sae épouse un homme riche qui ne la touche pas et la prend pour une poupée, Maki est enseignante et prête à tuer pour protéger ses élèves, Akiko vit recluse chez ses parents et s'imagine être un ours, et Yuka fantasme sur les policiers. Toutes vont croiser le chemin d'Asako qui inmanquablement les renverra au choc initial et qui exigera réparation.

Le film est structuré en six parties, l'assassinat, la vie des quatre femmes et l'épilogue. Plus on avance dans le récit, plus les couleurs s'estompent, comme si le film était habité par des fantômes. Une lumière un peu trop vive, une bourrasque soudaine, l'image récurrente de la petite Emili, et des secrets enfouis qui remontent à la surface font de Shokuzai un film littéralement hanté.

C'est aussi un grand film féministe : chacune à sa manière, les femmes font face à une société japonaise corsetée dans les conventions, dans une politesse hypocrite et mesquine, dans un besoin d'ordre poussé jusqu'à l'absurde où les hommes sont les seigneurs et maîtres. Mais ils ont tort de sous-estimer celles qu'ils considèrent comme des choses manipulables à merci. Le retour de bâton (au propre comme au figuré) sera terrible.

La vie d'Adèle

Bruno — 2013-10-20T18:19:23Z

Le jury cannois avait donné la Palme d'or non seulement à Abdelatif Kechiche, mais aussi aux deux actrices. Adèle Exarchopoulos, qui explose tout sur son passage, la mérite amplement en tout cas.

Dieu sait si on a parlé de cette Vie d'Adèle depuis Cannes. Les témoignages du tournage, extrêmement peu flatteurs pour Abdellatif Kechiche, ont été suivis par des échanges plutôt gratinés entre ce dernier et Léa Seydoux. Bref, finis les bisous sur la scène du festival, place aux taloches et aux tacles à la gorge.

Restait tout de même à voir le film et à le comparer aux critiques dithyrambiques qu'il a inspiré. Que dire ? Tout d'abord que l'ensemble est trop long. Les scènes d'école sont certes attendrissantes et plutôt bien filmées, mais elles n'apportent pas grand chose au scénario. Rien qui ne justifie trois heures en tout cas.

D'autre part, les fameuses scènes de sexe, hétéro ou homo, sont filmées de façon très naturaliste, avec plus de passion et d'appétit que de tendresse d'ailleurs, mais elles ne révolutionnent pas le genre. Et les remarques de Julie Maroh (l'auteure de la BD Le bleu est une couleur chaude à l'origine du film) sont intéressantes à lire, sur la représentation par des hétéros (le réalisateur et les deux actrices) du sexe lesbien sont intéressantes. Oui, ces scènes sont gênantes à voir, elles sonnent faux, le regard est très ambigu.

Sinon, il y a dans La vie d'Adèle des moments de mise en scène magnifiques, notamment celles sur un banc, où Adèle et Emma font leur première approche. Kechiche filme de très près, comme toujours, le grain de la peau, et la lumière dans les yeux sublimées par le soleil rasant qui illumine le regard noisette d'Adèle Exarchopoulos et les yeux bleus de Léa Seydoux (voir l'extrait vidéo ci-dessous). Ou, plus loin, quand les baisers échangés masquent puis laissent apparaître un astre éblouissant.

Autre scène terrible, véritable mise à mort verbale, devant le lycée d'Adèle où ses copines la lynchent littéralement par les mots après l'avoir vue aux côtés d'Emma. Que le film soit récompensé quelques semaines après l'adoption de la loi sur le mariage pour tous n'est bien sûr pas une coïncidence : le déferlement de bassesse et d'ignorance crasse est bien là, même en 2013.

La vie d'Adèle est au moins autant, sinon plus, un film sur les classes sociales — et en particulier la classe cultivée et celle qui ne l'est pas — qu'un film sur une passion amoureuse. Adèle est une proie trop tendre pour Emma qui a besoin d'une muse pour accéder à son statut d'artiste, et qui la jette quand elle n'en a plus besoin. Et au milieu des invités branchés et pédants d'Emma, Adèle est autant déplacée qu'un dromadaire sur la banquise.

Enfin, on aurait pu croire que Léa Seydoux, avec son vécu d'actrice, allait éclipser Adèle Exarchopoulos qui n'en était certes pas à son premier film (elle a commencé au cinéma en 2006), mais dont le visage n'était pas encore connu. Tout faux. Léa se défend bien, surtout dans la première partie, quand elle éveille Adèle au vrai amour. Mais Adèle, elle, illumine le film, le remplit, le comble, le porte et le secoue dans tous les sens. Ce qu'elle fait, de la petite lycéenne timide à la jeune femme blessée, est absolument remarquable. D'une scène à l'autre, elle est tour à tour naïve, solaire, boudeuse, craquante, ravagée, dans une performance d'actrice qui rappelle (dans un autre registre et à un âge différent) Naomi Watts dans Mulholland Drive ou encore Paz Vega dans Lucia y el sexo. On a hâte de la revoir.