imaginaires

Un pays qui se tient sage

Bruno — 2020-10-22T18:34:45Z

Si l'épisode des Gilets jaunes semble loin, recouvert par la pandémie de Covid, le film de David Dufresne sert de piqûre de rappel sur la façon dont l'Etat a géré la plus grande crise sociale du 21ème siècle.

C'est le troisième volet du travail indispensable de David Dufresne, journaliste indépendant, sur la façon dont la police a géré le mouvement des Gilets Jaunes entre novembre 2018 et février 2020. Le premier volet est une longue série de signalements sur Twitter avec le hashtag #AlloPlaceBeauvau (mis en forme sur le site de Mediapart), le second est un roman, Dernière sommation (Grasset). Le troisième est donc ce documentaire qui raconte un bout d'histoire de France, quinze mois incandescents marqués par des manifestations chaque samedi et un niveau de violence policière inédit en France depuis la deuxième guerre mondiale.

Depuis, l'épidémie de Covid est passée et a recouvert cet épisode quasi insurrectionnel, qui a vu le pouvoir vaciller au bord du gouffre, d'une strate historique encore plus marquante avec, à ce jour, ses 34 000 morts et ces centaines de milliers de personnes malades, ses deux mois de confinement et l'impression d'une immense improvisation à tous les niveaux de décision de l'Etat.

Autant dire que la sortie de Un pays qui se tient sage, fin septembre, arrive comme une piqûre de rappel : si l'on considère que le Grand débat national du printemps 2019 (qui a vite tourné à une série de monologues d'un président debout au milieu d'une assemblée de citoyens assis) n'a rien réglé, et que la Convention citoyenne pour le climat et ses 150 Français tirés au sort a vu ses propositions poubellisées avec désinvolture, le mouvement populaire repartira aussitôt la parenthèse Covid refermée, probablement avant l'élection présidentielle de 2022.

24 intervenants, un fond noir, pas de sous-titre

Comme David Dufresne ne fait rien comme tout le monde (il l'a prouvé avec Prison Valley, 2010 et Fort MacMoney, 2013), le dispositif de son documentaire est déroutant : les images d'archives, pour la plupart tournées sur smartphone au cœur des manifestations, sont vues et commentées par 24 intervenants filmés de près sur fond noir, et qui sont mis en situation de conversation, deux à deux. Enfin, aucun sous-titrage ne vient indiquer qui ils sont et quel est leur statut : on ne l'apprend qu'au moment du générique. « Si je précise que Untel est secrétaire national de Alliance Police nationale, que Unetelle est chercheuse, qu'un autre est avocat, etc., le spectateur va plaquer d'emblée ses opinions pré conçues sur la parole de l'intervenant, avant même que ce dernier ne prononce sa première phrase », explique David Dufresne. « Ça, ce n'est pas le débat. L'idée de ne pas désigner d'emblée qui parle — même si certains donnent facilement des indices sur qui ils sont — c'est de dire au spectateur : écoutez tout le monde sans préjuger, et ensuite, vous verrez qui a parlé… »

Autre avantage du dispositif : il n'y a pas d'un côté les savants (historiens, sociologue, avocat…) et de l'autre les gens d'en bas (cariste, chauffeur routier, plombier, policier). Tous sont traités de la même façon. Ce que dit Michel Forst, rapporteur spécial des Nations Unies, a le même impact que le témoignage de Mélanie N'goyé-Gaham, travailleuse sociale. Et ce que dit Bertrand Cavallier, général de gendarmerie, est aussi important à entendre que les propos d'Alain Damasio, écrivain.

Tous ont à réfléchir sur la fameuse phrase de Max Weber, généralement citée n'importe comment, et dont le texte originel est le suivant : « l'Etat revendique pour son propre compte le monopole de la violence physique légitime ». Or, au service de qui est la police républicaine ? Au service du peuple, ou de l'Etat ? » se demande Monique Chemillier-Gendreau, professeur de droit public. Dit autrement, « Quel ordre protège les forces de l'ordre ? » comme l'exprime l'historienne Ludivine Bantigny ?

Même pour Alliance Police, c'est inacceptable

Le montage est lui aussi cruel. C'est une chose que d'apercevoir sur un écran de téléphone, sans trop oser les regarder, les vidéos, atroces, de manifestants mutilés et hurlant de douleur. C'en est une autre de les voir sur un grand écran de cinéma. La sauvagerie policière lors de l'attaque du Burger King, le 1er décembre 2018, à Paris, éclate sans filtre à tel point que Benoît Barret, secrétaire national d'Alliance Police, cherche ses mots et finit par lâcher : « c'est inacceptable ». Ce qui n'empêche pas Emmanuel Macron de dire, le 7 mars 2019, « ne parlez pas de répression, de violences policières, c'est inacceptable dans un état de droit. »

Pour finir, Monique Chemillier-Gendreau lit le texte de Don Helder Camara sur les trois violences : « Il y a trois sortes de violence. La première est la violence institutionnelle, celle qui légalise et perpétue les dominations, les oppressions et les exploitations […] La seconde est la violence révolutionnaire, qui naît de la volonté d'abolir la première. La troisième est la violence répressive, qui a pour objet d'étouffer la seconde en se faisant l'auxiliaire et la complice de la première violence, celle qui engendre toutes les autres. Il n'y a pas de pire hypocrisie de n'appeler violence que la seconde, en feignant d'oublier la première, qui la fait naître, et la troisième qui la tue. »

On ne saurait mieux dire.

J'veux du soleil !

Bruno — 2019-04-13T10:06:32Z

Comme les gilets jaunes rencontrés au cours d'un long périple du nord au sud, François Ruffin a fini par trouver le soleil tant recherché. Et c'est maintenant que le printemps arrive...

Début mars, François Ruffin est passé par Gardanne, où il a ses habitudes. Venu pour présenter son film J'veux du soleil ! en avant-première, il avait fait un détour par Biver le matin même pour disputer un match tout ce qu'il y a d'amical entre une équipe de gilets jaunes et des vétérans bivérois, animé par une fanfare en tribune.

« On n'a pas tout les jours l'occasion de faire un foot-fanfare au soleil ! Nous on le veut, le soleil, vous l'avez. Il faut répartir mieux les richesses pour que tout le monde ait droit au bonheur et au soleil. C'est pour ça que je fais de la politique. Je suis heureux quand on vit des moments de surprise, des moments inédits. A travers le film, à travers le foot, à travers les interventions à l'Assemblée nationale, pour qu'on s'emmerde pas dans la vie. La politique, elle se fait par les liens que les gens tissent entre eux. C'est le plus grand mode de résistance anticapitaliste, qui ne se voit pas. »

Comme les places pour l'avant-première étaient parties en deux heures sur Facebook trois semaines auparavant (et que Facebook est un endroit que je ne fréquente pas), je n'ai pu voir le film qu'un mois plus tard, après sa sortie en salles. Et après avoir lu le livre Ce pays que tu ne connais pas (éditions Les Arènes).

Une inversion de la qualité d'image

Il y a quelque chose d'étonnant dans le documentaire de Gilles Perret (c'est lui qui est à la caméra, Ruffin étant à l'image, les deux constituant l'équipe complète de tournage). C'est une inversion de la qualité d'images. Celles des gilets jaunes sont propres, bien cadrées, à la bonne distance. Celles des extraits des interventions de Macron et des plateaux télé sont de basse qualité, récupérées visiblement sur Internet avec une résolution bien inférieure à celle du tournage, laides comme de mauvaises VHS des années 80.

Et c'est évidemment l'inverse de ce qu'on a l'habitude de voir : des images du président tirées au cordeau, des plateaux télé lumineux et bardés d'écrans immenses, et en face des images des gilets jaunes tournées au portable, mal cadrées, les CRS ayant une prédilection pour taper sur ceux qui les filment (entre autres).

C'est un peu comme si la grandeur d'âme des porteurs de gilets fluo et l'étroitesse d'esprits des porteurs de cravate avaient contaminé l'image. Déjà insupportables en temps normal, le mépris et la haine de classe du président de la République sautent ici aux yeux tant le contraste avec les témoignages des gilets jaunes est dévastateur. En ce sens, J'veux du soleil est un film profondément politique.

Un pur moment de cinéma

Il y a aussi dans ce documentaire tourné en une semaine, qui commence sous la pluie froide d'Amiens et qui s'achève sur une plage de Méditerranée, un pur moment de cinéma. C'est dans les dix dernières minutes quand, en vertu du droit à l'esthétique et au bonheur dont parle François Ruffin, le soleil d'hiver et le bruit des vagues sur une plage déserte succèdent aux ronds points glacés, aux villages à l'abandon, aux péages d'autoroute en pleine nuit et aux parkings de supermarchés bétonnés à perte de vue.

Sur cette plage, il y a Marie, une de ces femmes héroïques comme on en a vues tant d'autres dans le film, ces femmes aux vies brisées et recollées tant bien que mal et brisées encore, mais qui jamais ne s'avouent vaincues. Marie chante à capella la ritournelle nostalgique du groupe Au p'tit bonheur, et ces mots prennent un sens nouveau :

J'veux faire danser Maman
Au son clair des grillons
J'veux retrouver mon sourire d'enfant
Perdu dans le tourbillon
Dans le tourbillon de la vie
Qui fait que l'on oublie
Que l'on est resté des mômes
Bien au fond de nos abris

Cette scène-là est somptueuse, à la fois légère, poignante, rageuse et profondément humaine. C'est tout le mérite de François Ruffin de l'avoir provoquée au gré des rencontres et des circonstances, et tout le talent de Gilles Perret de l'avoir si bien filmée.

Senses

Bruno — 2018-06-25T14:35:56Z

Dans un tableau en cinq parties et quatre personnages de femmes, Hamaguchi part de l'intime et va à l'universel. Senses est dans la lignée du Décalogue de Kieslowski.

Que Senses soit présenté en série (cinq parties de longueur inégale regroupées en trois films) est en soi anecdotique, contrairement à ce que prétend la campagne de promotion du film : « la première série cinéma ». Après tout, Krzysztof Kieslowski avait fait mieux avec le Décalogue, il y a trente ans : dix épisodes regroupés deux par deux.

Dix commandements d'un côté (polonais), cinq sens de l'autre (japonais) : le parallèle est tentant et pas si artificiel que ça. Ryūsuke Hamaguchi est aussi brillant que son aîné européen pour montrer l'indicible, pour filmer des sentiments qui ne s'expriment pas et pour détourner les propres règles qu'il s'impose.

Car si chaque épisode est titré Voir, Sentir, Toucher, Ecouter et Goûter, il n'est pas question d'illustrer à la lettre chacun des cinq sens. Mais plutôt d'observer comment le carcan de la société japonaise avec ses rites, ses codes, l'interdiction d'exprimer clairement ses sentiments, peut voler en éclats dès que l'un (en l'occurrence l'une) décide de ne plus jouer le jeu et de sortir.

Le tout, bien entendu, est fait avec une grande économie de moyens : pas besoin d'effets spéciaux quand on filme trois femmes assises dans un café et parlant à l'époux d'une quatrième qui la cherche partout. A la place, un sens du cadre, du point de vue, de la symétrie, qui vient souligner les propos échanger ou les contredire.

Ce qui n'était au début que des rencontres anodines et conviviales entre quatre femmes de 30 à 40 ans va devenir pour elles l'occasion de faire le bilan de leurs vies, de ce qui leur manque, d'un amour qui s'étiole au quotidien et d'une indifférence grandissante vis-à-vie d'un conjoint qui les ignore ou les utilise.

Et c'est ainsi qu'on voit apparaître les lézardes dans ces attitudes policées, ces remerciements et ces excuses prononcées machinalement et qui en perdent tout leur sens. Bousculées par le départ d'une d'entre elles, Jun, en pleine procédure de divorce, Akari, Sakurako et Fumi contemplent avec horreur le champ de ruines de leur vie affective. Et, comme le monde ne s'est pas arrêté de tourner après la fuite de Jun, pourquoi ne pas renverser la table elles aussi ?

Construit autour de grandes scènes fondatrices - un atelier de travail sur soi passant par le contact physique, le tribunal où est jugé le divorce de Jun, la lecture publique d'une jeune romancière qui aurait une liaison avec son éditeur - Senses parle finalement autant des hommes que des femmes, dévoilant des failles béantes là où il n'y avait au début que certitudes et machisme assumé.

On attend maintenant avec impatience et beaucoup de curiosité le nouveau film de Ryūsuke Hamaguchi, présenté il y a quelques semaines à Cannes. Asako I & II sortira en salles le 3 octobre prochain.

Lire l'interview du réalisateur sur le site Filmdeculte

Solo

Bruno — 2018-05-30T19:29:06Z

Desservi par un scénario trop léger et un acteur principal sans charisme, ce Solo est plutôt décevant, même si certaines scènes sont visuellement très belles. Pour le reste, trop de war et pas assez de stars.

Emballé par le premier volet du spin-off, Rogue One, mais déçu par Les Derniers Jedi sorti il y a cinq mois, on allait volontiers voir ce Solo plutôt prometteur. D'autant que le personnage incarné par Harrison Ford était de loin le plus riche de la trilogie originelle, à tel point que son sacrifice, à la fin du Réveil de la Force, avait été un crève-cœur (et un suicide scénaristique).

Mais n'est pas Harrison Ford qui veut. Et en tout cas pas Alden Ehrenreich, qui a toutes les peines du monde à exister, à tel point que ce brave Chewbacca semble sans arrêt se demander qui est ce type et ce qu'il fait là. Solo n'est pas complètement raté, mais manque d'inventivité, de poésie, et son humour tombe à plat.

Dommage, car certaines scènes sont visuellement très belles, comme la rencontre entre Solo et la peluche géante qui va devenir son copilote, dans un passage qui fait penser au Spartacus de Kubrick : plutôt que de s'entretuer, si les opprimés unissaient leurs forces contre leurs oppresseurs, ces derniers n'auraient plus qu'à plier bagage vite fait. Le combat autour du train évoque le Transperceneige, et les scènes de guerre d'infanterie dans les tranchées citent ouvertement un autre Kubrick, Les sentiers de la gloire.

Solo lorgne aussi ouvertement du côté du western, avec une scène apaisée autour d'un bivouac au crépuscule et un face-à-face la main sur la crosse du pistolet, prêt à dégainer. On pense enfin à Kill Bill dans un combat à l'arme blanche.

Bref, le film de Ron Howard cite nombre d'œuvres qui ont alimenté la culture pop, mais ce n'est pas suffisant pour en faire une histoire qui tienne la route. La quête du coaxium, une sorte de compromis entre l'uranium enrichi et la nitroglcéryne, emmènera les personnages sur une planète transformée en exploitation minière et croiseront sur la route du retour une bébête tout droit sortie de Vingt mille lieux sous les mers. Bref, on s'amuse comme on peut.

Heureusement, j'avais choisi comme salle de projection la plus grande d'Europe, celle du Grand Rex à Paris. Sous un magnifique plafond en forme de ciel étoilé parfaitement raccord avec le film, et en dépit de décors latéraux kitschissimes (sensés représenter la Méditerranée, ou du moins la représentation que s'en faisait un décorateur parisien en 1932), l'immense écran de 300 mètres carrés se déroulant lentement devant le deuxième balcon fait son effet. A l'époque du visionnage de vidéos Youtube sur un écran de smartphone de cinq pouces, c'est une sensation étonnante.

Pentagon Papers

Bruno — 2018-02-17T10:20:18Z

En relatant l'affaire qui a fissuré l'administration Nixon en 1971, Steven Spielberg réalise un grand film sur la liberté de la presse et fait écho à la période contemporaine, celle des Fake News et de Donald Trump.

Le calendrier interpelle, évidemment. En janvier 2017, Donald Trump est investi à la Maison Blanche. En mars, Steven Spielberg entre en négociations pour mettre en scène The Post, à partir d'un scénario de Liz Hannah. Le tournage commence fin mai et sort en janvier 2018. Autant dire que Pentagon Papers, comme tout bon film historique, parle au moins autant de la période contemporaine que du début des années 70.

En voyant Meryl Streep dans le rôle de Katharine Graham (la propriétaire du journal), on ne peut s'empêcher de penser à Hillary Clinton, que Streep a soutenue en 2016 (comme Spielberg et Tom Hanks, d'ailleurs). Et pas que pour la ressemblance physique : le contraste violent provoqué par l'arrivée d'une femme dans un conseil d'administration composé exclusivement de costards-cravate à gros cigare fait évidemment écho avec le matraquage médiatique encaissé par la candidate démocrate et orchestré par la droite réactionnaire américaine.

Sauf que l'analogie s'arrête là. Le courage et la détermination de Katharine Graham (qui risquait la prison et la disparition du journal tout juste coté en Bourse) n'a rien à voir avec la campagne maladroite et frileuse d'Hillary Clinton qui a réussi l'exploit de perdre une élection imperdable. Si l'on veut faire des comparaisons entre les Etats-Unis de 1971 et ceux de 2018, c'est plutôt du côté de la liberté d'informer qu'il faut chercher.

Daniel Ellsberg, le Snowden de 1971

Les Pentagon Papers, c'est l'équivalent des Wikileaks ou plus exactement des documents transmis en 2013 à la presse par le consultant de la NSA Edward Snowden. Mais en 1971, les clés USB n'existaient pas, Internet non plus et les communications par mails chiffrés encore moins. Le premier lanceur d'alerte de l'histoire, Daniel Ellsberg (qui aurait d'ailleurs pu être le vrai personnage central du film) a eu recours aux service d'un photocopieur gros comme un camion-benne, et transportait des milliers de feuillets dans un bonne vieille boîte en carton fermée à la ficelle.

La révélation par le New York Times puis le Washington Post du contenu de ce rapport secret du Pentagone sur les relations entre les Etats-Unis et le Viêt Nam entre 1947 et 1967 est la première faille du séisme qui va pousser Nixon à la démission. Les Pentagon Papers révélent entre autres que le bourbier vietnamien était ingagnable, mais qu'il était essentiel d'intensifier les combats afin d'éviter une humiliation en pleine guerre froide. Et ce, au prix de dizaine de milliers de morts côté américain, et d'un million et demi de victimes côté vietnamien.

Le film de Spielberg est construit sur une série d'oppositions : hommes/femmes, on l'a vu, peuple/élite, presse/actionnaires, Etat/justice, armée/civils, tradition/modernité. Ces oppositions irriguent chaque scène, portées par le duo impeccable Meryl Streep/Tom Hanks et comme toujours avec l'auteur des Dents de la mer, filmées avec lyrisme : Spielberg arriverait à rendre spectaculaire la taille d'un crayon à papier.

Bombardement de journaux au petit matin

Car Pentagon Papers rend aussi hommage à la presse au deux sens du terme : le contenu et le contenant. Ici, les journaux n'ont rien de virtuel, ils ont une forme, un poids, une texture, c'est tout juste si on ne sent pas l'encre fraîche à la sortie des rotatives. La distribution par liasses jetées sur la chaussée depuis l'arrière des camions au petit matin évoque ainsi un bombardement. La mise en forme des pages sur la Linotype, les caractères en cuivre agencés à toute vitesse, le plomb fondu qui s'écoule, toute la machinerie d'une imprimerie industrielle ressemble presque aux entrailles du Titanic.

L'histoire se finit mieux pour le Washington Post que pour le paquebot de la Star Line : contrairement au second, le premier n'a pas coulé malgré les efforts de la Maison Blanche. Au contraire, c'est lui qui portera l'estocade en 1972 avec le deuxième scandale de la présidence Nixon, l'affaire du Watergate. Celle du Russiagate coûtera-t-elle sa place à Donald Trump ? Là aussi, le Post est en première ligne.

A Ghost Story

Bruno — 2018-01-25T19:20:55Z

Un drap blanc, deux trous pour les yeux et une mise en scène d'une élégance rare font de cette histoire de fantôme le film le plus étonnant de ces dernières années.

C'est bien entendu anecdotique, mais tellement réjouissant : le budget du film de David Lowery doit être à peu près équivalent à celui consacré aux rafraîchissements dans le dernier Star Wars. Avec environ un mille cinq centième de la somme dévolue à Rian Johnson pour jouer au sabre laser, le réalisateur des Amants du Texas a fait un petit bijou cinématographique dont on se souviendra très longtemps.

Finalement, c'est sans doute ça, le cinéma : avant tout une affaire de regard. La représentation la plus banale des fantômes consiste en un drap blanc percé de deux trous pour les yeux. Va pour le drap. Pourquoi se compliquer la vie (ou la mort, en l'occurrence) ? Quand en plus on a au casting une actrice de la brillance de Rooney Mara, tout devient plus facile. Ajoutez à tout ça un format d'image désuet (le 1.33 du cinéma muet) qui restreint le champ visuel comme quand on regarde à travers les trous d'un drap (les angles de l'image sont arrondis) et une lumière crépusculaire qui ajoute à la mélancolie, et vous avez quelque chose de radicalement original.

Par quoi se manifestent les fantômes, finalement ? Par la présence impalpable des disparus, par des portes qui claquent, des ampoules qui clignotent puis qui grillent, un piano qui résonne en pleine nuit, des livres tombés d'une étagère… Mais aussi par des taches de lumière sur le mur qui rappellent irrésistiblement le Décalogue de Kieslowski.

Pour autant, A Ghost Story n'est pas qu'un exercice de style. L'idée remarquable du scénario, c'est de poser le postulat que les vivants peuvent se déplacer dans l'espace mais sont enfermés dans un éternel présent, alors les fantômes peuvent voyager dans le temps, mais sont coincés au même endroit (la maison et en deçà et au-delà, ce qu'il y avait longtemps avant et ce qu'il y aura longtemps après).

Ces ellipses temporelles, David Lowery les dessine par un montage très fluide qui donne une impression trompeuse de continuité alors que les jours, les mois et les années défilent. La maison du début où vivait le couple Rooney Mara/Casey Affleck sera vidée, puis à nouveau occupée, puis encore vidée, jusqu'à être rasée au bulldozer. A partir de là, le film s'échappe dans une dimension purement métaphysique d'une beauté singulière, réinterprétant le thème spécifiquement américain du paradis perdu.

Star Wars 8, les derniers Jedi

Bruno — 2017-12-23T11:19:00Z

Ne cherchez pas à être surpris : Star Wars n'est pas fait pour ça. Du moins, pas la série principale, dont le huitième opus reproduit les codes malgré un scénario qui se veut iconoclaste.

Pourquoi aller voir, les années impaires en décembre, la suite de la saga Star Wars en me doutant que j'allais être (encore une fois) déçu ? Sans doute par fidélité à l'enfance, en mémoire à mes onze ans quand j'ai découvert, ébahi, cette histoire parfaitement improbable mélangeant mythes ancestraux, guerres galactiques, films de samouraïs et imagerie western. Depuis, quatre décennies (la moitié d'une vie humaine) ont passé, les milliards de dollars ont enseveli George Lucas et la compagnie Disney a fait main basse sur l'affaire, transformant en plomb tout ce qu'elle touche.

L'an dernier, Rogue One avait apporté de la fraîcheur, du culot et de l'originalité à la saga, autant de qualités qui manquaient cruellement au Réveil de la force sorti en 2015. Malgré le changement de réalisateur (Brian Johnson à la place de JJ Abrams, qui reprendra le flambeau pour le 9e épisode annoncé pour 2019), Les derniers Jedi sont aussi essoufflés et au bout du rouleau que Mark Hamill, dont les traits empâtés évoquent plus Pierre Bachelet que Luke Skywalker. Le retour du trio initial Ford-Fisher-Hamill est l'exemple même de la fausse bonne idée, d'autant plus que les scénaristes avaient décidé d'éliminer Han Solo dès l'épisode 7, soit le premier de la nouvelle trilogie. Pas de chance, c'était de très loin le personnage le plus intéressant des trois, interprété par le seul vrai acteur du lot.

Deux milliards de dollars et un sabre laser

Tout n'est certes pas à jeter dans cet épisode 8, qui s'acharne à faire du passé table rase tout en se gardant bien de mettre un petit orteil au-delà des clous. Graphiquement, certaines scènes sont très réussies (pas forcément les plus spectaculaires, d'ailleurs), et la gamme chromatique blanc-rouge-noir particulièrement belle. La jeune génération d'acteurs s'en sort plutôt pas mal, et les seconds rôles de luxe (Benicio del Toro, Laura Dern) montrent ce que sont de grands comédiens. Quant aux nouvelles peluches, elles sont très mignonnes elles aussi.

Pour le reste, on ne plaisante pas avec un film qui fait deux milliards de dollars de recettes dans le monde entier. La logique du tiroir-caisse adaptée au sabre-laser donne ainsi une scène parfaitement absurde en début de film, quand Luke jette négligemment par dessus son épaule le sabre laser que lui rapporte la jeune Rey. Mais bien sûr, l'arme n'est pas tombée à l'eau et sera récupérée par la suite. Pas touche aux produits dérivés !

En attendant Solo

On ne dévoilera rien d'autre du contenu du film, les scènes de combat spatial n'apportant strictement rien de nouveau et certains moments (notamment le texte du générique de début, que l'on dirait écrit par un enfant de cinq ans) étant même gênants de niaiserie. Pourquoi dépenser autant d'argent pour un résultat pareil ? Parce que ça rapporte encore plus (dix fois, pour Le Réveil de la force), pardi.

Autant dire qu'il faut faire son deuil de quelque chose d'original pour cette trilogie, en espérant que la suivante (car il y en aura une quatrième, après l'épisode 9) larguera pour de bon les amarres avec les figures imposées. En attendant, on ira voir avec plaisir le deuxième volet des Star Wars Stories, celui consacré à Solo, qui sortira fin mai 2018.

Dunkerque

Bruno — 2017-08-04T17:38:19Z

Expérience hallucinante en immersion totale, le film de Christopher Nolan est aussi hors sol et quasiment hors contexte historique. Evidente réussite visuelle et sensorielle, mais qui nous laisse sur notre faim.

Dunkerque est un film de fiction, certes. Mais il est inscrit dans le cadre d'un événement historique précis, l'évacuation des troupes britanniques et françaises des plages de la Côte d'Opale dans les premiers jours de juin 1940.

L'histoire est désormais connue : en neuf jours, alors que le groupe des armées A allemandes du général von Rundstedt a stoppé l'attaque, plus de 330 000 soldats britanniques et français (un gros tiers) sont embarqués en direction des côtes anglaises, dans des conditions rocambolesques. L'évacuation a été protégée par deux divisions de l'armée française restées à terre et dont les soldats ont été capturés.

De tout cela, que voit-on dans le film de Christopher Nolan ? Hormis une enfilade vertigineuse et éprouvantes de scènes chaotiques, où le spectateur est successivement bombardé, noyé, mitraillé et, embrasé, et un arrière-plan patriotique assumé, pas grand chose.

Dunkerque apparaît furtivement dans la scène d'ouverture, assez courte mais suffisante pour repérer quelques anachronismes gênants pour un film à 200 millions de dollars de budget (façades d'immeubles aux couleurs pimpantes, réverbères années 2000).

Les Français sont à ce point absents du décor que le film pourrait aussi bien se passer sur une plage du Pacifique Sud ou du Connecticut. Et le contexte historique quasiment évacué du scénario.

Au film de guerre ce qu'Alien est à la conquête spatiale

En clair, si Dunkerque est un film sur la deuxième guerre mondiale, alors Alien raconte la conquête spatiale et Tarzan la colonisation de l'Afrique. Contrairement aux Sentiers de la gloire de Stanley Kubrick, le premier (en 1957 !) à filmer des scènes de combat en plein chaos, voire à Il faut sauver le soldat Ryan de Steven Spielberg (1998), Nolan ne consacre pas une partie de son film à reconstituer une bataille : c'est l'ensemble du long-métrage qui est cloîtré dans la bataille, sans jamais en sortir, hormis les dix dernières minutes.

Les personnages ne sont pas nommés et quasi interchangeables. Les dialogues réduits au strict minimum. En poussant la logique jusqu'au bout, Dunkerque aurait pu aussi bien être un film muet. Pourquoi pas, après tout ?

Trois strates temporelles imbriquées

Tout n'est pas à jeter, loin de là. Le travail sur le scénario est très intéressant et justifie presque à lui seul de revoir le film pour en saisir toutes les subtilités. Il superpose et imbrique trois récits avec des temporalités différentes : le sort des soldats sur les plages en une semaine, la traversée des petits bateaux mobilisés par l'Angleterre pour évacuer les troupes dure une journée, et les combats aériens qui opposent les Spitfire aux Messerschmitt s'étale sur une heure.

On passe ainsi, avec beaucoup de fluidité et de finesse, d'un récit à l'autre comme s'ils se déroulaient de façon chronologique et simultanée, alors qu'en réalité, la même scène (par exemple un avion britannique abattu qui se pose sur les flots) est vue successivement depuis les airs, depuis la mer et dans le cockpit du pilote qui essaie de ne pas se noyer.

Dommage que Nolan ait considéré que ce double parti-pris (scènes de survie, scénario complexe) devait s'opérer au prix d'un récit hors sol et hors contexte historique. Sans doute ce qui fait la différence entre un bon film et un grand film.